Im PORTRAIT: 8 Keramikkünstlerinnen und -künstler aus Deutschland, Lettland, USA, Mexiko. Wir berichten über AUSSTELLUNGEN und VERANSTALTUNGEN aus
GB, USA, Deutschland, Argentinien, Taiwan, Portugal, Österreich, Irland, Kamerun. Im KÜNSTLER-JOURNAL stellen wir Connor Czora (Detroit – USA). Darüber hinaus Werkstattgespräche, Termine, Kurse, Seminare, Märkte.
DIE NEWS
PORTRAITS
Bernd Fischer – Deutschland
Marina Kuchinski – Lettland / USA
Patrick M. Ryan – USA
Helmut Menzel – Deutschland
Paloma Torres – Mexiko
Dirk Staschke – USA
AUSSTELLUNGEN / VERANSTALTUNGEN
Felicity Aylieff – Petworth House – GB
Ceramic Odyssey – London – GB
Refigured – London – GB
Kathy Butterly – Saratoga Springs – USA
Clay Conversation – Neunkirchen – Deutschland
Patagonien – Gaiman – Argentinien
2026 Taiwan Ceramics Biennale – Yingge – Taiwan
Ting-Ju Shao – Taiwan
Clay Kitchen – Nova de Milfontes – Portugal
Matéria Nova – Berlin – Deutschland / Portugal
Given by Nature – Gmunden – Österreich
Throwing Shapes – Dublin – Irland
Keramik für Menschlichkeit – Deutschland
König von Bamoun II – Bamoun – Kamerun
BÜCHER
Neue Lektüre – International
KÜNSTLER-JOURNAL
Connor Czora – Detroit – USA – Monika Gass
WERKSTATTGESPRÄCHE
Akira Satake – Evelyne Schoenmann – Interview / Technik
TERMINE / Ausstellungen / Galerien / Museen
Ausstellungskalender International
KURSE / SEMINARE / MÄRKTE
ANZEIGEN
VORSCHAU / IMPRESSUM
Dem Keramiker Bernd Fischer zum 70. Geburtstag
Links der Weser in der Bremer Neustadt, im sogenannten „Flüsseviertel“, findet sich in einer schmalen, ruhigen Wohnstraße die Werkstatt des Keramikers Bernd Fischer. Seit 2012 ist er wieder da, zurückgekehrt in seine Stadt und zu seiner Sache, der Töpferei an der Scheibe. Man möchte meinen, es habe sich ein biographischer Kreis geschlossen, doch scheint das freilich nur in Aufsicht so: Von der Seite betrachtet gleicht der Lebenslauf eher einer Spirale, deren Enden Jahrzehnte auseinanderliegen und nimmer zum Ring sich schließen. Ob der Rundkurs nun auf- oder abwärts sich gewunden hat im langen Lauf der Zeit, bleibt eine Frage der wertenden Perspektive, die Bernd Fischer längst egal geworden ist.
Er mag es heute selbst kaum glauben, doch harte Chronologie lässt sich nicht biegen: Seit fünfeinhalb Jahrzehnten ist Bernd Fischer dem weichen Zeug verfallen, das im Feuer zu hartem Scherben wird, Steinzeug oder Porzellan, dünn gehüllt in farbiges Glas, glänzend oder matt, mono- oder polychrom, in so langer Zeit hat man so einiges gemacht, obwohl vielleicht am Anfang noch etwas anderes ihn zog, etwa die Liebe seiner Freundin, die ihm, dem Orientierungslosen, mit einem Batzen Ton aus ihrer kleinen Werkstatt die nötige Orientierung gab.
(Walter Lokau)
Bernd Fischer
Ich mache Kunst, seit ich denken kann. Mein Vater war zwar kein professioneller Künstler, konnte aber sehr gut zeichnen, und eine meiner frühesten Erinnerungen an ihn ist, wie er mir Geschichten erzählte und sie in Zeichnungen zum Leben erweckte. Meine Mutter war Modedesignerin und ein unglaublich kreativer Mensch; sie nähte, häkelte, strickte oder bastelte ständig etwas.
Ich wurde in Lettland geboren und zog als kleines Kind mit meinen Eltern nach Israel. Dort erlebte ich eine komplexe Mischung aus Kulturen, Religionen, Geschichte und Identitäten: israelisch und palästinensisch, religiös und säkular, antik und modern.
Zeichnen, Malen und Skulpturen wurden zu einer Art visuellem Tagebuch, mit dem ich meine Beobachtungen und Erlebnisse verarbeiten und festhalten konnte. Trotz all dieser Veränderungen blieben Tiere eine beständige Quelle der Faszination und Stabilität. Ich fühlte mich zu ihnen und ihren Darstellungen überall hingezogen: von antiken Reliefs und Artefakten im Israel-Museum in Jerusalem und den Straßen der Altstadt von Jaffa bis hin zu zeitgenössischen Werken im Tel Aviv Museum of Art. Diese frühe Faszination für Tiere und die Verbindung zwischen Mensch und Tier zog sich wie ein roter Faden durch mein Werk.
Marina Kuchinski
Patrick M. Ryans Skulpturen sind bevölkert von den unruhigen Nachkommen von Körper und Maschine: Därme werden zu Kanälen, Pumpen zu Organen, Industriefragmente drücken gegen synthetische Haut, und die starre Geometrie der Maschinen beginnt, der Architektur eines Körpers zu ähneln.
Auf den ersten Blick wirken Ryans Keramikobjekte wie Artefakte aus einer spekulativen Zukunft – Maschinen, die zu wachsen begonnen haben, oder Körper, die sich selbst zu produzieren anfangen. Bei genauerem Hinsehen offenbart sich jedoch etwas Intimeres. Unter der Maschinerie, den grotesken Oberflächen und der Science-Fiction-Bildsprache verbirgt sich eine zutiefst menschliche Sorge: die Tatsache, dass der Körper sterblich ist. Ryan interessiert sich nicht dafür, Technologie als etwas vom menschlichen Körper Getrenntes zu betrachten. Ihn beschäftigt vielmehr, was geschieht, wenn diese Trennung verschwindet. Diese Frage wurzelt in einer zutiefst persönlichen Auseinandersetzung mit der Sterblichkeit. Ryans Vater erhielt die Diagnose Darmkrebs im vierten Stadium. Im Verlauf der Krankheit musste Ryan mitansehen, wie der Körper seines Vaters zunehmend von medizinischer Technologie abhängig wurde. Der Kampf seines Vaters veranlasste Ryan, sich mit der eigenen Schwierigkeit auseinanderzusetzen, die Sterblichkeit zu akzeptieren, und darüber nachzudenken, zu welch außergewöhnlichen Mitteln Menschen greifen, um sich dem Tod zu widersetzen.
(Amanda Lee Ryan)
Patrick M. Ryan
Selbstportrait
Ich wurde1960 in Mexiko-Stadt geboren. Im Alter von 23 Jahren begann ich an der Nationalen Schule für Bildende Künste (ENAP) mein Studium der Keramik. Seither gilt meine Leidenschaft dem Ton. Schnell erkannte ich, dass dieses Material neben technischer Meisterschaft auch das Verständnis dafür erfordert, dass der Prozess des Aufbaus und der Formung meiner Skulpturen ein wesentlicher Bestandteil meiner Arbeit ist.
Die Arbeit an einem Werk bedeutet, es immer wieder neu zu durchdenken. Das Zusammenspiel zwischen den Grenzen des Materials und meinem Wunsch, dessen Entwicklung zu gestalten, ermöglicht es mir, mich von der ersten Idee bis zum fertigen Stück zu entfalten. Doch ganz gleich, wie ich eine Skulptur konstruiere oder welche Farbe ich wähle – es bleibt immer ein Überraschungsmoment: der Zufall, denn das Feuer hat stets das letzte Wort.
Als Künstlerin hat mich dieser Prozess dazu geführt, auch mit anderen Medien zu arbeiten. Meine Skulpturen entstehen zudem aus Bronze, Holz, Metall, Beton und sogar Filz. Durch diese Techniken konnte ich den Schritt vom Dreidimensionalen ins Zweidimensionale vollziehen. Mein grafisches Schaffen wurde um Zeichnung, Malerei, Textilkunst und Reliefs bereichert. Ich vereine Grundrisse, Aufrisse und Perspektiven, Aufzeichnungen von Polygonen und städtischen Orten, Fotografien, Druckgrafiken, Arbeiten aus Metall und Ton, Reliefs und Objekte, Malereien sowie eine Fülle von Skulpturen.
Paloma Torres
Eine Vision der Koexistenz?
Diese Ausstellung fand von März bis Mai 2026 in der County Hall Pottery in London statt, einem schnell wachsenden Anziehungspunkt für zeitgenössische Keramik.
Kuratiert von Jihyun Kim, die auch selbst ausstellte, präsentierte die Ausstellung Werke, die sich mit zukunftsweisender Keramik aus der Perspektive des Biofuturismus auseinandersetzten.
Fünf Künstlerinnen und Künstler, deren Arbeiten die Grenzen des Tons erweitern, entführten die Besucher in eine Welt fantastischer Kunstobjekte. Jenseits jeglicher Funktionalität schufen die Künstlerinnen und Künstler Stücke, die ihr handwerkliches Können und ihre Fertigkeiten mit dem gewählten Material Ton zelebrieren und den Prozess zu einer Verbindung zwischen Mensch und Lebewesen erweitern.
Von Beginn an widmete sich die Ausstellung spekulativen Erzählungen, in denen Ton zum Wirt, Träger und Kollaborateur in Prozessen wird, die man gemeinhin mit der Biologie verbindet. Der Ausstellungsraum verwandelte sich in eine Art Labor oder Inkubator, in dem die Werke ebenso gewachsen wie entstanden wirkten. Oberflächen schimmerten, wellten sich, warfen Blasen und blühten auf und erinnerten an Haut, Korallen, Pilze und andere organische Systeme.
(Julia Ellen Lancaster)
Blicke in die Ausstellung “Ceramic Odyssey”
Assume Yes
Die zweite Einzelausstellung der Keramikkünstlerin Kathy Butterly im Tang Teaching Museum des Skidmore College in Saratoga Springs, New York, mit dem Titel „Assume Yes“(gehe vom Ja aus), präsentiert 45 Werke aus den Jahren 1994 bis 2025. Während viele Betrachter die kleinen Formate, die technische Kontinuität und die Verspieltheit ihrer mehrfach gebrannten Arbeiten bewundern, bietet ihr Werdegang eine gleichermaßen fesselnde Geschichte.
Butterly, geboren 1963, wuchs in einem Vorort von Long Island in der Nähe von Levittown auf – jener berühmten Nachkriegssiedlung mit Tausenden nahezu identischen Einfamilienhäusern. Auf der Suche nach einem anderen Weg besuchte sie eine private Kunsthochschule in der Nähe von Philadelphia. Von Beginn an schuf Butterly exquisite, aufsehenerregende Kunstwerke und erwarb ihren Master of Fine Arts bei dem berühmten „Funk“-Meister Robert Arneson gegen Ende seiner Lehrtätigkeit.
Nach ihrem Studium zog Butterly nach Hoboken, New Jersey, damals eine erschwingliche Künstlerenklave unweit von New York City. Sie richtete sich umgehend ein Atelier ein und schuf ihre unverwechselbaren Werke mit nichts weiter als einem elektrischen Brennofen, einfachen Werkzeugen und viel Geduld. Butterly wurde schnell in New Yorker Kunstkreisen wie denen von Matt Nolen willkommen geheißen.
(Marc Leuthold)
After Easy, 2008
2026 Taiwan Ceramics Biennale
When Humans Meet the Earth
31. Juli – 27.Dezember 2026
Lokalität: 3F Ausstellungsraum, New Taipei City Yingge Ceramics Museum
Während sich die digitale Welt auf Homogenität und Transparenz zubewegt, stellt sich die Frage: Wie können wir die Komplexität des Lebens wieder wahrnehmen? Wenn Ton auf Feuer trifft, wenn der Mensch auf die Erde trifft – damit beginnt die Geschichte. In einer Zeit, die zunehmend von Algorithmen und künstlicher Intelligenz (KI) geprägt ist, scheint sich das menschliche Verständnis der Welt zu vereinfachen und zu vereinheitlichen. Die Taiwan Ceramics Biennale 2026, kuratiert von Daicho Tomohiro (Chefkurator am National Museum of Modern Art in Kyoto), widmet sich dem Thema „Wenn der Mensch auf die Erde trifft“ (When Humans Meet the Earth).
Er versammelte 59 Künstlerinnen und Künstler aus 21 Ländern mit 85 Werken und eröffnet einen lebendigen Dialog über Ton, Zeit, Geist und Zivilisation.
Takaharu Hori, ELEC Actuate Mantis 2025, Porzellan, 58 × 50 × 43 cm, Japan
Connor Czora – USA
Wie hat alles angefangen – schon im Kindergarten? Erzähl uns doch bitte diese Geschichte … Sie wird in einem Deiner Videos sehr gut erklärt!
Schon so lange ich denken kann, wollte ich Künstlerin werden. Als Kind blieb ich lieber drinnen und zeichnete, anstatt mit den anderen Sport zu treiben. In der Grundschule lautete meine Antwort auf Arbeitsblättern, auf denen nach dem Berufswunsch gefragt wurde, immer „Künstlerin“ – und dieser Wunsch hat mich nie verlassen. Bis zum Studium lag mein Schwerpunkt jedoch auf zweidimensionalen Medien, nicht auf Ton. Ich hatte ein Talent fürs Zeichnen und stellte fest, dass ich mit Kohle und Buntstiften meine eigene Wahrheit ausdrücken und die gesellschaftlichen Probleme, die ich um mich herum wahrnahm, kritisieren konnte. Zum Ton kam ich erst im Studium durch einige Wahlfächer, die schließlich mein Leben veränderten.
Du liebst Perfektion, Gold sowie politische und soziale Themen. Wie lässt sich das
miteinander verbinden? Wirkt das auf den ersten Blick nicht etwas widersprüchlich?
Das sind tatsächlich widersprüchliche Elemente! Ich bin in einem konservativen Umfeld aufgewachsen, was als queeres Kind nicht einfach war. Meine Großeltern waren zudem Antiquitätensammler; ich wuchs also umgeben von Vitrinen voller Porzellangeschirr und Parian-Figuren auf. Während meines Studiums bestand eine der ersten Aufgaben darin, ein Werk zu schaffen, das auf der Idee des Materials als Metapher basierte. Dabei wurde mir klar, dass die Werte, mit denen ich aufgewachsen war, nicht nur verbal vermittelt, sondern auch durch die Gegenstände um mich herum verfestigt und verinnerlicht wurden.
(Monika Gass)
Tasse 6,4 x 8,3 x 6,4 cm, Teller 3,2 x 10 x 10 cm, Foto – Connor Czora
Akira, du hast relativ spät in Deinem Leben mit Keramik angefangen. Früher galt Dein Interesse mehr der Musik. Kannst Du uns ein wenig über Deinen Werdegang erzählen und wie Du zur Keramik gekommen bist?
Ich bin mit Anfang 20 aus Japan, wo ich als Fotograf für ein Unternehmen gearbeitet hatte, nach San Francisco gezogen, danach weiter nach New York City. Ich hatte schon seit der Mittelstufe ziemlich ernsthaft Musik gemacht. Aber damals hielt ich es für eine bessere Idee, mich mehr auf meine Karriere als Fotograf zu konzentrieren. Als ich jedoch in New York war, kam stattdessen auf der musikalischen Seite schnell Schwung in die Sache. Ich trat viel auf, produzierte meine eigene Solo-CD und gründete schliesslich eine Musikproduktionsfirma, die ziemlich stark wuchs. Etwa zur gleichen Zeit gründete ich auch mein eigenes Plattenlabel. Nach mehr als zehn Jahren eines sehr geschäftigen und hektischen Lebens war ich dann doch ziemlich abgekämpft. Um mich davon zu lösen, begann ich, Töpferkurse zu besuchen.
Hast du den Eindruck, dass Du als autodidaktischer Künstler härter arbeiten musst, um Anerkennung zu erlangen, als diejenigen, die eine traditionelle Töpferausbildung absolviert haben?
Ich glaube nicht, dass es für mich allzu schwierig war. Durch die Teilnahme an vielen Ausstellungen und regelmässige Beiträge auf Facebook und Instagram konnte ich ziemlich schnell Aufmerksamkeit erlangen.
(Evelyne Schoenmann)
Akira Satake
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